二战、纳粹、犹太人、盖世太保……，这段历史，被很多很多电影呈现、诠释，也就容易走入一种陈词滥调的平庸，而路易·马勒的《再见，孩子们》（1987年）在这点上，倒是给人提供了一个新的视点，在具有强烈自传性的内容里，既反映了严肃的历史现实，又富含对人性subtle的思考。

这是一部导演根据自己12岁时在维希Vichy傀儡政府下的一所耶稣会寄宿学校里的亲身经历而拍摄的电影。

1944年初的冬天，被纳粹占领的法国，出生于中产阶级家庭的12岁男孩Julien放完假回到寄宿的天主教学校。新学期，Julien的班上来了一个叫Bonnet的新男孩，被安排睡在Julien旁边的空铺位。

内向寡言的Bonnet似乎并不受到同学的欢迎，显得格格不入。Julien对这个新成员某些神秘的行为充满了好奇，另外，Bonnet在班上出色的成绩，也成为Julien最强的竞争对手。在相互较劲和打闹之间，Julien和Bonnet渐渐发展出亲密的友谊，同时，Julien也发现了 Bonnet是犹太人的秘密。

1944年一月的一天，以前厨房的帮工、因被发现小偷小摸而开除的青年Joseph，带着一群盖世太保来到学校，指控这里窝藏了犹太人，要求学生们坦白。当一个盖世太保喊到Bonnet的真名Kippelstein时，Julien无意的回头一瞥，却暴露了Bonnet的身份。一番搜查之后，神父和三个藏身在学校的犹太男孩被盖世太保带走。影片最后交待，这三个被带走的犹太男孩后被害于奥斯威辛集中营。

影片从一个12岁法国男孩的角度，再现了Holocaust中的一个点。Julien无意中对Bonnet的出卖，是一个很难从道德上来解读的行为。12岁的Julien，对纳粹、对Anti-Semitism几乎一无所知。他偷翻Bonnet的储藏柜，在一本书里面找到Bonnet的真名，不过是满足小孩子对未知事物的一种探求。而当他知道Bonnet是犹太人时，还特意跑去问他哥哥，犹太人是什么人？是怎么样的人？

学校的家庭日，他让他妈妈邀请Bonnet和他们一起到外面吃饭，当盖世太保到饭店里驱赶犹太人、遭到就餐的法国人的反对时，Julien除了不时紧张的偷瞄Bonnet以外，盖世太保的霸道、和法国人对抗议生效的欢呼，似乎都和他无关。

因此，当一脸凶狠的盖世太保走到讲台上，严厉的说出Kippelstein的名字时，Julien回头看Bonnet的动作，可以认为是小孩受到惊吓时的一种下意识反应。但是，随着搜索的展开，即时宣布学校关闭，从周围人慌乱的表情，和Bonnet被带走时凝重的气氛里，天真无知的Julien也预感到了不祥，惊愕、茫然的眼神中，渐蒙上一层负疚的阴影，也许，将伴之一生。

虽然故事的结尾沉重阴暗，但是在一个小时四十分的影片里，导演对寄宿学校里这些男孩们的生活、学习的刻画，却充满鲜活生动的印象：早晨在水房洗漱，时不时有口角拌嘴，课间大家踩着高跷，相互打来斗去，在树林里玩寻宝游戏，夜晚熄灯后打着手电看书，暗恋年轻美貌的钢琴老师等等，这些片断，既传神的表现出他们身上童稚未脱的孩子气，又反映了青春期男孩微妙独特的心理变化。

[此贴子已经被作者于2006-11-15 23:15:40编辑过]

最近还借了个Malle的心的呢喃，Murmur of Heart，听说也很不错

《二弟》的确好过《青红》，段龙在里面演得毫无痕迹可寻，难得。

贾樟柯的三部曲里最喜欢的还是〈小武〉，〈世界》也不错，《站台》稍差点。

妹妹的观后感写得很好，加油啊。

另推荐一部台湾独立制作片《飞越情海》，你应该会喜欢.

恩，多谢mm的推荐，我去找找看

《心的呢喃》（也有译成《好奇心》）是路易·马勒另外一部讲述青春期男孩的电影，以五十年代的法国为背景，15岁的男孩Laurent Chevalier，生在一个中产阶级的家庭，家境优越，就读于教会学校，是班上的优等生。父亲是妇产医生，严肃，不苟言笑，关心政治，母亲是意大利人，追求自由的爱情，两个哥哥，喜欢性和酒精的刺激，常用色情笑话，挑逗、取笑Laurent。

影片触及到很多社会传统的禁忌，或含蓄隐晦，或直接了然：天主教内部的娈童、母亲不可告人的婚外恋情、Laurent的抽烟、喝酒、在两个哥哥带领下和妓女的初次性体验，还有他与母亲之间暧昧的乱伦，通过这些悖违伦理道德的情节，反映了二战后传统价值观念体系崩溃和瓦解，和人面临一种失去所依的精神危机。

影片一开始，Laurent和同学在大街上请人募捐，支援在印度支那的法军，可是，二战后，世界范围内殖民地争取独立的浪潮，已成为历史的必然，无论法军怎么抵抗、法国内部如何坚持，都无可逆转这一趋势。在向行人请求募款的间隙，Laurent还和同学去书店偷了一张Charlie Parker的唱片，从对话里，可以看出Laurent对爵士乐手那种颓废堕落生活的向往——酒精、性、疯狂、精神分裂，而他偷唱片的行为，与其说是出于缺钱，不如解读成寻求一种犯罪感得到满足的刺激，也许更合适，同类的意象，《冰风暴》里那个有shopliftting癖好的中产阶级主妇。

影片中Laurent的两个哥哥，用朋友画的一幅赝品，替换了家中挂的Corot的真品，并一而再试探的询问父亲、和父亲的有钱朋友，对这幅画的看法，辛辣的嘲讽了中产阶级对艺术的无知，和企图用金钱伪饰的庸俗，同时也折射出在儿子心中对传统父亲权威的蔑视和反叛。

片中最大的禁忌也许是Laurent和母亲乱伦的关系，从一开始，导演就铺成了隐约的线索，并通过Laurent和父亲的争执、冷淡疏离的父子关系，作了强烈的暗示（Freud的俄狄浦斯情结）。无意中，Laurent发现了母亲偷和情人约会的秘密，这件事，进一步加深了他和母亲的亲密关系。

一次，母亲带着被诊断患了心杂音的Laurent到乡村度假胜地疗养。在那里，Laurent结识了两个同龄的少女，求爱落败，最后他在母亲那里找到性和爱的满足。第二日早晨，父亲和两个哥哥来到旅馆探望Laurent，影片于一家五口在早餐桌旁，东倒西歪的大笑中结束。和谐，尴尬，破碎，一切都不在乎的绝望……在传染开的笑里，别有深意。

极其美国风格的爵士乐，和具有分明欧洲气息的街道、乡村画面，不协调的搭配中，也隐隐显示了二战后美国文化对欧洲乃至全球的强势影响。

好奇的问,妹妹都是一个人看这些小片吗?

是啊，多数都是借DVD回家看的

对蔡明亮的名字很熟悉，但他的电影还是第一次看。以前看一些电影的文章，印象中，他的电影很具争议性，赞的不必说，那些国际电影节的奖座已经足够说明，但也读到不少不喜欢的声音，而性，似乎是其中一个重要的原因。不过当我自己看完《河流》，虽然还谈不上对他的电影有多喜欢，毕竟才看了一部，但不得不说，他的电影真的很有意思，极富创造力，很不一样，这是我个人非常欣赏的。

《河流》里，母亲、父亲、儿子，一家三口，住在一个屋檐下，却过着互不相干的独立生活。母亲，在一家酒楼当电梯员，和一个经营盗版色情片的老板有染，父亲，时常光顾男同志的桑拿浴室，享受同性间的性事，儿子小康，无业在家，偶然中，当了一回临时演员，漂浮在发臭的河流中，结果，也许是被河中的毒气侵入身体，脖子和肩膀染上一种无名之痛，影片以此为开端，讲述一家人如何想办法消除儿子的病痛。

影片中有很多露骨的性爱情节，甚至夸张到不知情的父亲在昏暗的桑拿浴室里和自己的儿子发生关系，从这里也许可以理解为什么蔡明亮电影那么具有争议性，如此大胆叛逆的性，显然早已越过了一般人可以接受的伦理底线。可是对我来说，倒不以为然，因为在性的背后，导演关注的是关于人和社会的内容，当你在读这些内容的时候，火辣的性爱场面就不再成为一个焦点，而会把目光集中在导演对性的解读和诠释上。

在《河流》中，性是一种宣泄和解脱，也是一种人与人之间（肉体，还是灵魂？）沟通的语言。小康和两年未见的旧同学重逢，在旅馆房间里，从相对无言喝着甜品，跳到黑暗中两人做爱的画面，当寂寞无法诉诸于语言的时候，性，是孤独的个体最后的求助；三温暖里，歪着脖子的小康，被父亲从后面拥着，呻吟声里，脖子的痛，私处的痛，内心的压抑苦闷，和高潮的兴奋欢愉，仿佛纠缠混杂在一起，性，将人的快乐和痛苦微妙的融为一体，回归的，是儿子在父亲的怀中蜷缩成新生儿出世前在母体中的模样。

《河流》透视的是现代人的内心，孤独、欲望、寂寞、扭曲、颠倒、错乱，叙述中，带着一种很冷的黑色幽默，比如，片场用塑料假人来演尸体浮在河面上的戏，父亲在房顶漏水的卧室搭的临时雨棚，小康骑车时，父亲坐在后座，扶正他的头，这些场景，好笑中，带着无可名状的苦楚。

镜子，在《河流》里多次出现，小康的穿衣镜，母亲房间的梳妆镜，卫生间的镜子，桑拿浴室里的镜子，临街快餐店的大玻璃窗。影片以人在镜中的影为拍摄对象，记录人物的表情和动作，造成画面和观者之间进一步的间离效果。从银幕上看镜中人，有一种特别深远的意味，触动在心头。

影片的氛围，有一种沉静之美，人物之间的台词很少，甚至也没有任何的配乐，可是人物和音乐之外，有很多其他的声音，分外迷人。雨声、风声、滴水声、电梯声、摩托车声、城市的声音、人群的声音……这些质感的声音，既是人物孤寂的折射，又像是内心孤独后的嘶喊，嘈杂中，惨淡无力。而“水”这个意象，不仅在视觉，也在听觉上反复多次的运用，营造出一种东方的、现代的、阴暗而堕落Decadence的诗意。

[此贴子已经被作者于2006-11-25 22:21:22编辑过]

《Lacombe Lucien》、《再见，孩子们》和《心的呢喃》有被认为是路易·马勒的孩子三部曲，虽然在知名度和受欢迎程度上，《再见，孩子们》是最突出的，但看完这三部片子后，个人最爱的是这部《拉孔布·吕西安》，影片对人性中邪恶一面的挖掘和揭露，给人留下不可磨灭的印象。

故事的主人公Lacombe Lucien是一个十八岁的少年，家在法国西南部的农村。他原本在一个天主教的疗养院Nursing Home里当清洁工，性格中有一种藏不住的野性和暴力（他一会用弹弓打鸟，回到村里又拿着猎枪打兔子，甚至可以一手倒提着鸡，一手用手掌劈落鸡的脖子，其残忍程度，令人胆战）。在Lucien总是锁着眉头里，流露出对自己低微的身份地位（nobody）的不满与愤懑，粗暴野蛮的行为，成为他宣泄的途径。他渴望成为一个有分量的人物（somebody），在申请加入当地的游击队、但因太年轻而遭绝后，他走到了事情的另一端，在一个偶然的机会里，不仅出卖了游击队的人，并当上了“德国警察”German Police。

在Lucien的身上，汇聚了人性的善恶、矛盾和卑微。一方面，成了“德国警察” 的他，拥有了枪支和权势，别人对他的害怕和敬畏，满足了他想成为一个somebody的欲望。可是另一方面，枪支和权势，并没有彻底消除他对自己低微出身的自卑感，他没穿过西装，不知道什么是Golf Trousers，他不会跳舞，也不懂音乐。他把整个人坐到钢琴上，一整排琴键发出沉闷而粗鲁的“和音”，让人觉得既讽刺又悲哀。当极度的自卑和自负集中在Lucien身上，发生猛烈的冲撞时，他的选择，只能是更粗鲁的依仗权力赋予他的强势的外壳，来掩饰内心的虚弱和无知。

Lucien这个人物的微妙不仅止于他性格的矛盾，在故事的发展中，他爱上了一个犹太裁缝的女儿，这使他陷入了一个更尴尬和难堪的处境中。诚然，他对France的爱，是发自真心的，但是，他的身份，使裁缝一家对他除了畏惧以外，也有明显的厌恶和鄙视。于是，Lucien不得不一次次用他权力和手枪妆点的凶恶嘴脸，以告密的威胁，来换得他渴望得到的接受和亲近，以及性的满足。但结果，也只是把自己一再的逼到对方仇视的边缘。

Lucien的命运注定是悲剧的，对权势、地位的欲望，使他沦为历史的一个小卒。影片最后虽然以字幕交待了Lucien被判处死刑的结局，可是故事远远没有结束，留给观众的是更多的反思和深省。Lucien的可恨、可怜和可悲，不仅是特殊历史阶段下的产物，更折射出人性中可怕的权力欲（讽刺的是，他所获得的权势又是那么微不足道、无足轻重，不过是狐假虎威的一颗棋子）和道德良知的沦丧。有人将之称为“平凡的邪恶”，这种邪恶，最容易被利用、最令人心寒，且它造成的伤害是双向的，两败俱伤的。

当一个人无法以个体的身份和成就在人群中得到认同、引起注意的时候，以放弃个体为代价，求助、给自己包装上一个集体身份的外壳，来增加个体在他人眼中的分量，这几乎可以说是人类的一个通病。在人类的历史上，像Lucien这类被欲望吞噬的小人物nobody，又岂止是在二次大战中呢？

由于影片涉及到二战中法德合作的内容，触怒了法国各个阶层，福柯也曾痛斥影片以色情的伎俩塑造反英雄形象等等。争议的声音，迫使路易·马勒离开法国，去往好莱坞发展电影事业。

[此贴子已经被作者于2006-11-28 14:40:12编辑过]

Ding Ding! good post! continue....

《青少年哪吒》Rebels of the Neon God 是蔡明亮的第一部长剧情片，以小康和阿泽两人为主线，讲的是台湾四个年轻人的生活状态，里面充满了青春期少男少女的不安和骚动，溜冰场、游戏厅、喧哗的台北街头、大排档、冷饮店、疾驰的摩托车、BB弹手枪，还有永远少不了的性。只要看过蔡的电影，一定会对里面很多意象有熟悉的感觉，蔡一直在重复的运用一些元素，比如水、水道不通冒出来的污水或者下雨漏水、蟑螂、厕所、小便、呕吐、求神拜佛的迷信、镜中反射的影像，更有意思的，是一个或红或绿的旧式电饭锅，几乎熟悉到令人发笑。正如蔡在采访里说到的，这些东西是生活中最普遍、不可少的，影片要贴近生活，必须呈现这些元素。

《青少年哪吒》从年轻人的角度，去谈论他们和人、和社会的关系，影片中，小康和父亲的关系，在对立敌视的表象下，隐含着一种微妙的、似血缘不可割的亲密，父亲想让儿子跷课陪他看电影，在父亲出租车的后视镜被青年阿泽砸坏后，小康悄悄跟踪阿泽，将他的摩托车也毁坏的面目全非，以此来报复。父亲恼怒儿子偷退补习班，将他关在门外，可到结尾处，晚归的父亲锁完门，又把门打开，留出一条缝，这真的是蔡的电影作品里，很难得一见的有一点点温情的地方，他之后的作品，可以说篇篇都只弥漫着阴暗、潮湿和冷漠，没有任何希望的出口，尤以《河流》到达登峰造极的境界，恰恰，这也是迄今我最喜欢的一部蔡的作品。

影片的另一主人公阿泽，是个混混青年，离开（也许没有）父母，独自在社会上过活，和朋友阿斌在夜晚去偷电话亭、或游戏厅，以此为生。阿泽的故事，基本还停留在一个正常的社会青年的范围里，抽烟、喝酒、偷窃、打架、和女孩开房等等，和蔡后来的电影比起来，算得上很“明朗”、“阳光”的一面了。结尾，阿泽背着被打伤的阿斌，在滂沱的雨夜，搭上小康父亲的出租车，带着明显戏剧性的巧合。蔡后来的作品，似乎也避免了这种将平行的线索汇回到一起的处理，将影片的故事性继续削弱。

《青少年哪吒》里，小康的表演，有一些很好玩和好笑的地方，比如，小康在父母面前扮演哪吒附体，在楼上窗口，看到阿泽面对一蹋糊涂的摩托车一头雾水、无处发泄的模样，在房间里兴奋得上窜下跳，这些外显的肢体动作，在蔡以后的影片中，似乎也不再出现，变成更加内省，更加收敛、压抑，同时，故事的背景更加模糊，抽象到一个人、一个地方、一个时间，至于什么人，什么地方，什么时间，都变得不再重要。这部影片，也是蔡唯一一部在里面用了配乐的作品，后来，蔡明亮索性把音乐也统统的减掉了。有人说，王家卫拍电影，是做加法，蔡则是做减法。个人以为，无论加减，当这种意识被导演越来越强调的时候，拍出来的作品，可能会发生刻意、呆板的危险，蔡的《你那边几点》What time is it there? ，让我感到一种隐约、恍惚的不自然。

客观讲，《你那边几点》也是一部非常出色且独特的电影，抓住时间，这个不仅是生活中必不可少、甚至已经成为我们生命一部分的东西，来呈现人对时间的迷恋和挣脱。影片一开始，小康的父亲就去世了，母亲却一直坚信，父亲的鬼魂会回来家里，连小康自己也这么觉得，害怕得不敢晚上去厕所。但到了最后，影片让扮演小康去世的父亲的苗天，以一个老人的形象，出现在巴黎街头，这不但使观众陷入一阵抑或永不可解的迷茫，也将艺术作品的开放性，推向一个高潮。这个绝妙的结局，真是让人爱恨交加，欢喜的不得了。

但是，影片在将“时间” 这个抽象元素诉诸于表现形态的时候，导演的意图太突出，例如，小康的职业是在天台买手表，一个和机械时间打交道的角色，近结尾时，家中、母亲和父亲的竹枕，车里、小康和妓女，巴黎某旅店的房间、湘琪和一香港女人，这三处同时异地的性爱，一个接一个，这种连续的表现方式，显得有些苍白乏味，没有鲜活力。

从《青少年哪吒》、《洞》，到《河流》、《你那边几点》，对蔡明亮最大的感受，莫过于对他作品个性化风格的深刻印象。它（他）强烈的对抗主流，故意将自己置于文化的边缘，它（他）不为观众而作，却强调与观众的对话；它（他）落后于时代，却可能已经走到了前面。有时间，一定要把剩下的片子找来看全。我们的时代，已经成为主流的灾难之世，太需要一些非主流，来洗洗眼睛，和大脑。

蔡明亮's early movies are pretty good. but his recent ones are just colone of 《你那边几点》

"他强烈的对抗主流，故意将自己置于文化的边缘" - agree.

看完《天边一朵云》，回头去想之前看过的几个蔡明亮的电影，发现“爱情”原来也是他作品中不断呈现的一个主题。可是这种爱情，不是两情相悦，不是一见钟情，绝没有一般文艺片中那般唯美浪漫，它拼死，绝望，它发生的原因，不源于美，也不源于善，它没有爱的对象，只有爱的需求。爱情，成为现代人在极度孤独、寂寞、饥渴中唯一的救命稻草，唯一的生命之源，在这种扭曲的爱情下，唯一可诉诸或发泄的渠道，只有性，或者说，一夜情。这大概就是现代都市里，人、爱情、与性的一种关系。

影片最后一幕，陈湘琪和李康生的口交（可能也不算是），着着实实的打动了我，但是，不知道会有多少观者可以坚持到最后一幕。《天边一朵云》从一开始，导演就在挑战观众对观看性爱场面的极限，真枪实弹找来一位日本AV女优和李康生（在片中他扮演一个A片男演员）对戏，还有和在以往片中扮演小康母亲的陆奕静的两场浴缸激情戏，瞠目结舌中，也不得不让人佩服导演的大胆和诚实。

可是，蔡明亮的高明，不仅仅停留在他非凡的勇气，一次次去突破尺度，去探视观众接受度的底线，他更高明的是，在他一层层剥去人的面具、人的衣服、人外表一切的包裹的过程中，敏锐而犀利的触碰到我们人的某些死穴，触碰到我们日常不敢去撕开面对、但实际上我们又生活在当中、甚至不可缺的一些东西。他残酷的挑开我们麻木的神经，逼使我们去正视它，比如像《天边一朵云》里面的性爱场面，在色情片充斥的年代，也许我们会在家中、在夜里，很享受的看A片，可是当它被电影这个媒体来承载时，就仿佛多了很多规范，会让人觉得看不下去，很奇怪吧。因为，我们生活在许多我们自己制定的、或说虚伪、或说道貌岸然的框框里，而蔡明亮正是在用电影，一次一次的去冲击这些框框，倒未必说要去冲破些什么，但是它让人去意识到自己生活、思维的一种状态，去引起反思和内省。

蔡明亮的电影，有一种不动声色的幽默。《天边一朵云》里，李康生和AV女优在一边用半个西瓜作爱，另一边，陈湘琪看的电视里，在播报西瓜、西瓜汁、西瓜送礼的新闻，两个巨大的反差，荒唐，令人不由自主的发笑，说不定，这就是我们生存的真实状态呢。李康生帮湘琪从柏油马路里挖出钥匙，汩汩的水从那个沥青的洞里溢上来，还是冒出来的“水”这个意向，熟悉中，又有一种不一样的新鲜。

《天边一朵云》里，男女主角之间只有一句台词，陈湘琪问李康生，“你还在卖手表吗？” 没了，就那么安静，连人物的表情都很少，静静的观望，默默的行走，高楼大厦下，是一片钢筋水泥的荒漠，人的心灵，也在里面跟着一块荒芜、凋谢、死亡。蔡明亮的作品，总是那么绝望，没有出口，但是透过这种绝望，唤起的，也许不止于绝望。

[此贴子已经被作者于2006-12-13 22:51:13编辑过]

你那边几点，比较象蔡明亮作品的一个分界线

比如，之前的洞、河流、爱情万岁（这个还没看）、年少年哪吒，里面是一个红色的电饭锅

到你那边几点、不散里，就变成绿色的

不散还没看过，但看了天边一朵云，觉得他还是处在一个比较富有创造力的阶段

他自己说，他大概拍8到10部片子就差不多了，现在已经拍到第九，不知道是不是就快收山了，呵呵

哈哈，是啊，之后就是西瓜一个。

《天堂的孩子》（导演: Majid Majidi）也是一个关于孩子和鞋子的故事，不过不似《木屐树》那般沉重，虽然同样是面对贫穷的重压，但影片在镜头的处理上，更多一些轻快飞扬的元素，飞扬的，是至纯至真至善的童心，是对生活不舍不弃的坚定和信心。

小男孩Ali不小心遗失了妹妹Zahra拿去修的皮鞋，家境的贫困，使他们不敢将鞋子丢失的事情告诉父母，于是两个小孩想出了一条妙计，轮流换穿哥哥Ali的球鞋去上学。为了使哥哥下午的课不迟到，Zahra 中午一放学，就飞跑回家，与哥哥在家门外的小巷里换鞋。穿上球鞋的Ali，又是一路飞跑赶去学校。“奔跑”这个动作，构成了影片人物的核心。故事发展到高潮，Ali报名参加一个学生长跑竞赛，因为第三名的奖品便是一双球鞋。可意外的是，当他奋力和五六个男孩一起冲过终点线的时候，Ali的名次竟是第一，一个“失败”的胜利，错失了为妹妹赢得一双球鞋的机会。

一个半小时的电影，像一幅投射在孩童清澈眼里的流动画面，那么清新、干净、质朴、简约。为了使片中小镇的街景更趋真实，拍摄过程中使用了隐藏的镜头，以不引起路人的注意，拍出来的人和景物具有一种很放松和生活化的效果。

贫穷和善良，是影片的两个主题。Ali一家生活贫寒拮据（有部分导演童年记忆的痕迹），不断被房东催租，母亲身体虚弱，巨大的生活压力，使父亲偶尔脾气暴躁。但是，物质生活的极度匮乏，并没有泯灭Ali和Zahra这对贫家兄妹纯真、烂漫、善良的童心。他们一起刷球鞋，开心的玩着冒出来的肥皂泡，充满稚真的童趣，也洋溢着对生活的希望。当他们发现穿去Zahra皮鞋的女孩的父亲是一位盲人时，便放弃了想要回鞋的打算。

与之形成对比的，是长跑竞赛里，为了取胜，在途中将Ali拉倒在地的高个男孩，忽然发现，其实孩子的世界，也不都是那般纯洁无瑕，而孩子的自私、不择手段，又是最令人心寒的。另一个生活在花园洋房里的小男孩，虽然拥有很多玩具，有秋千、跷跷板，但却是孤独寂寞的。

Ali的父亲，是一位有点木讷、寡言的中年男人。虽然有时会因为心情不顺，对母亲大声说话、或者发脾气，但是作为一个父亲，他坚毅的挑起生活的重担，对儿女的爱，深沉而细腻。周日他骑着破旧的单车，带着Ali去城里的富人区碰运气，看能不能找到一家需要临时园丁，赚点外快。贫富的差距，在这里以一种轻描淡写的方式一笔带过。是的，一个讲善扬善的艺术作品，是不用通过控恶惩恶来达到目的的。

影片最后，脱下鞋底已被跑穿的球鞋，坐在小池边，把起泡、磨破的脚浸在水中的Ali，表情里混杂着失望、懊恼、伤心、和迷惘。不过不用担心，因为在前面一组镜头里，父亲车座后捆着的一堆物品里夹着两双装在盒子里的新鞋，向细心的观众预示了一个在影片时间外的、阳光明朗的“结局”，这真是一个体贴、令人欣慰的安排，不是吗？

[此贴子已经被作者于2006-12-18 2:45:36编辑过]